José Duarte - Cinco Minutos de Jazz - 45 Anos - VÁRIOS - CD03

1 Blues For Mary Jane (S. Getz) - Stan Gertz Quartet   7:50

2 Salt Peanuts (Gillespie/Clarke) - Charlie Parker Quintet   7:50

3 Cherokee (R. Noble) - Sarah Vaughan c/ Ernie Wilkins Orquestra    2:30

4 Ruby My Dear (T. Monk) - Thelonious Monk   3:59

5 Jordu (D. Jordan) - Dizzie Gillespie Orquestra   4:11

6 Dancing In The Dark (A. Schwartz/H. Dietz) - Art Tatum   2:56

7 It Don't Mean A Thing (D. Ellington/I. Mills) - Ella Fitzgerald c/  Paul Smith   4:12

8 Blue Lou (E. Sampson) - Ray Brown Trio   2:15

9 When It's Sleepy Time Down South (Leon & O. René/C. Muse) -  Sydney Bechet Orquestra   3:00

10 Bob White (B. Hanighen/J. Mercer) - Carmen McRae c/ Ralph  Burns Orquestra   2:56

11 Now's The Time (C. Parker) - John Lewis Trio   3:47

12 Nasty (H. Edison) - Harry Edison   5:20

13 Sweet Georgia Brown (M. Pinkard/K. Casey/B. Bernie) - Oscar 

 Peterson Trio   7:46

14 All The Things You Are (J. Kern/O. Hammerstein II) - Roy  Eldridge Quartet   3:29

15 Polka Dots And Moonbeams (Jimmy Van Heusen/J. Burke) - Chet  Baker Quartet   7:55

Ao terceiro CD desta tripla edição, sub-titulado 'Ouça', conclui-se que se trata inequivocamente de uma compilação de índole classicista, focada na 'velha guarda' e na divulgação do jazz através da história do seu período mais representativo. A eletrificicação da década de 1970, e tudo o que lhe sucedeu, já não faz parte das referências escolhidas por José Duarte. No entanto, é fácil de perceber que as escolhas mais 'atuais' coincidem com o início da década de 1960, o que leva a crer que José Duarte tenha considerado a data de estreia do programa (Fevereiro de 1966) como um limite; o repertório selecionado para compor esta edição seria aquele que, obviamente, estaria disponível aquando da primeira emissão do 'Cinco Minutos de Jazz'. 

A abordagem mais antiga neste CD contempla dois momentos díspares, a orquestra de Sydney Bechet, em 1943, e a destreza de Art Tatum, em piano solo, no ano de 1949. Segue-se a modernidade da década de 1950 onde a singular compenetração de Stan Getz, a distinta abordagem do Ray Brown Trio, a honestidade de Harry Edison, a eficaz prestação de Roy Eldridge e a simpática intimidade de Chet Baker, providenciam momentos brilhantes. Nas vozes, Sarah Vaughan encanta, Ella Fitzgerald apresenta-se majestosa, como sempre, e Carmen McRae entretém com brio e distinção, enquanto que a magia dos pianistas passa pela incrível presença de Thelonious Monk, pelo talento de John Lewis e pela naturalidade de Oscar Peterson. A orquestra de Dizzie Gillespie expõem-se no fulgor do seu swing. 

O despoletar dos guitarristas é um pormenor a ter aqui em conta, por não estar evidente, sendo perceptível nas prestações de Barney Kessel, c/ Ella Fitzgerald, Freddie Green, c/ Harry Edison, e Herb Ellis, c/ Oscar Peterson. 

Relevante também a gravação de "Salt Peanuts", que aparece atribuída ao Charlie Parker Quintet. Trata-se de uma reunião histórica, registada no Massey Hall, em Toronto, no ano de 1953, que juntou Charlie Parker, Dizzie Gillespie, Bud Powell, Charles Mingus e Max Roach, os principais impulsionadores do be-bop. Para contornar questões contratuais, Charlie Parker participou nesta sessão sob o pseudónimo Charlie Chan e a gravação foi creditada como 'The Quintet'.

O registo cumpre com os intuitos didáticos que José Duarte fazia questão de propor à sua dedicação ao jazz, e trata-se de uma comemoração feita com gosto, mas há alguma falta de rigor na finalização desta edição. Como último apontamento, refiro uma gralha de edição encontrada nos créditos de autoria de "Now's The Time", interpretada pelo John Lewis Trio, que atribui a composição aos irmãos Gershwin mas trata-se, na realidade, de uma composição original de Charlie Parker. Até jazz!

José Duarte - Cinco Minutos de Jazz - 45 Anos - VÁRIOS - CD02

1 St. James Infirmary (J. Primrose) - King Oliver Orquestra   3:36

2 Things Ain't What They Used To Be (M. Ellington/T. Persons) -  Charles Mingus Orquestra   7:35 

3 Struttin' With Some Barbecue (L. Harding/D: Raye) - Louis  Armstrong Hot Five   3:00

4 King Porter Stomp (Jelly R. Morton) - Fletcher Henderson  Orquestra   2:54

5 So What (M. Davis) - Miles Davis Sextet   9:21

6 One O'Clock Jump (C. Basie/E. Durham) - Count Basie Orquestra    3:03

7 What A Little Moonlight Can Do (H. Woods) - Betty Carter c/  Richard Wess Orquestra   2:04

8 Royal Garden Blues (S. Williams/C. Williams) - Bix Beiderbecke  Orquestra   3:01

9 Prisoner Of Love (C. Conrad/L. Robin/C. Gaskill) - Lester Young  Quartet   7:37

10 Ain't Misbehavin' (F. Waller/A. Razaf) - Fats Waller   2:58

11 Giant Steps (J. Coltrane) - John Coltrane Quartet   4:43

12 Peace Piece (B. Evans) - Bill Evans   6:41

13 Fine And Mellow (B. Holiday) - Billie Holiday   3:10

14 I Remember Clifford (B. Golson) - Modern Jazz Quartet   6:02

15 Body And Soul (J. Green/E. Heyman) - Teddy Wilson   3:12

'1, 2, ... 1, 2, 3, 4, cinco minutos de jazz', era com este mote que José Duarte dava início às emissões do 'Cinco Minutos de Jazz', programa de rádio que consistia apenas na apresentação de uma música por emissão. Incrível como um programa de rádio tão curto conseguiu alcançar uma notoriedade fantástica e uma longevidade invejável. O interesse no programa manteve-se ao longo dos anos, geração após de geração, ao ponto de atingir um estatuto de referência obrigatória no panorama radiofónico Português, e José Duarte tornou-se numa figura proeminente na divulgação do jazz em Portugal. 

O segundo CD desta tripla edição comemorativa, sub-titulado como 'Escute', abrange um período vasto que percorre gravações editadas entre 1928 e 1960. Os primórdios do jazz mais tradicional estão aqui representados pelas orquestras de King Oliver e Fletcher Henderson, e também pelo incontornável Louis Armstrong, que chegou a integrar formações lideradas por Oliver e Henderson antes de alcançar a sua própria notoriedade. O particular enfoque na contagiante energia das orquestras permanece ainda com a inclusão de Bix Beiderbecke e da considerável hierarquia de Count Basie, indo até à modernidade da imponente orquestra de Charles Mingus, havendo ainda uma curta referência à orquestra de Richard Wess a acompanhar Betty Carter, que a par de Billie Holiday simboliza as vozes neste CD. 

Desta vez, a referência aos pianistas solo faz-se com o excecional Teddy Wilson, a formidável habilidade de Fats Waller e, mais à frente, o despontar da intelectualidade de Bill Evans. Teddy Wilson surge também ao lado de Lester Young, naquele que é um dos momentos mais deliciosos deste CD. Lugar ainda para o incrível exponencial de John Coltrane e para a subtileza artística de Miles Davis - cá está novamente Bill Evans - cabendo por fim ao Modern Jazz Quartet o momento mais peculiar com a transparente delicadeza da sua sonoridade éterea.

Desfile de ícones memoráveis, numa representação histórica que passa por vários momentos do jazz, e mantém o caráter didático com que José Duarte se propunha na divulgação do género entre os seus ouvintes, procurando assim iniciar novas gentes para um género musical que, à data das primeiras emissões, era pouco considerado ou mesmo praticamente desconhecido de grande parte do cidadão comum.

José Duarte - Cinco Minutos de Jazz - 45 Anos - VÁRIOS - CD01

1 My Baby Just Cares For Me (W. Donaldson/G. Khan) - Nina Simone  Quartet   3:30

2 In The Evening (Big B. Broonzy/L. Carr) - Big Bill Broonzy   3:25

3 Eventually (O. Coleman) - Ornette Coleman Quintet   4:18

4 Empty Bed Blues (J. C. Johnson) - Bessie Smith c/ Fletcher  Henderson   3:00

5 Rights Of Swing Prelude & Part 1 (P. Woods) - Phil Woods Octet    6:36

6 Blue Waltz (Bregman/Conn/Vocco/Wilber) - Clark Terry Octet    6:36

7 Nice 'N' Easy (L. Spence/Alan & M. Bergaman) - Frank Sinatra c/  Nelson Riddle Orquestra   2:45

8 What Is There To Say (V. Duke/E. Y. Harburg) - Gerry Mulligan  Quartet   4:05

9 Lou's Blues (L. Donaldson) - Lou Donaldson   5:56

10 Yesterdays (J. Kern/O. Harbach) - Bud Powell   2:50

11 Penitentiary Blues (L. Hopkins) - Lightnin' Hopkins   2:54

12 You Don't Know What Love Is (G. Depaul/D. Raye) - Sonny  Rollins Quartet   6:27

13 You Are My Sunshine (J. Davis/C. Mitchell) - Bill Henderson c/  Oscar Peterson   4:36

14 Black Beauty (D. Ellington) - Duke Ellington   3:00

15 Darn That Dream (Jimmy Van Heusen/E. Delange) - Dexter  Gordon Quartet   7:30

As emissões radiofónicas do histórico programa 'Cinco Minutos de Jazz', autoria de José Duarte, tiveram início a 21 de Fevereiro de 1966 na rádio Renascença, e aí permaneceram até 1975. O programa renasceu em 1984 na Rádio Comercial, onde se manteve até 1993, passando depois a fazer parte da programação da Rádio Pública (RDP/RTP - Antena 1 e Antena 2) até Março de 2023, o mês e o ano em que José Duarte faleceu. O programa cumpriu praticamente seis décadas de emissões, facto relevante que tornou o 'Cinco Minutos de Jazz' no programa mais antigo na história da rádio feita em Portugal.

José Duarte usufruiu, desde cedo, do prestígio de ser considerado, a par de Luís Villa Boas, um dos principais divulgadores de jazz em Portugal. A notoriedade foi alcançada com as emissões dos seus "Cinco Minutos de Jazz", a que se junta também a atividade de crítico, professor, e a autoria de vários livros sobre jazz, entre outras ocupações mais. O seu empenho na divulgação do jazz era motivado por uma verdadeira dedicação a este género musical, e a sua paixão impulsionou a afeição a uma causa que José Duarte transformou numa luta pessoal contra o sistema estabelecido e contra a generalizada falta de conhecimento do jazz em Portugal, na altura.    

Em 2011, o programa cumpria 45 anos de existência e, à semelhança do que já havia sido feito na comemoração dos 40 anos, a celebração fez-se através da edição de uma compilação, desta vez em formato de triplo CD, coordenada e selecionada pelo próprio José Duarte. A edição de 2011 apresenta um alinhamento renovado - relativamente à edição, em quatro CD, de 2006 - sendo composta por um total de 45 músicas, divididas em 15 por cada CD. O desfile de escolhas é um critério de José Duarte, não especificado, cuja pretensão será simplesmente conduzir o ouvinte através de uma viagem por um repertório que terá certamente alguma importância significativa nas referências de José Duarte e que sirva simultaneamente de estímulo didático para a curiosidade de novos ouvintes. Na prática, esta selecção musical será certamente um resumo, estendido, daquilo a que o programa 'Cinco Minutos de Jazz' se propunha. 

Uma primeira observação permite perceber, para já, que o primeiro CD, sub-titulado 'PARE', abrange repertório editado entre 1959 e 1961 e inclui nomes relevantes e fundamentais para uma boa compreensão da história do jazz. Os blues de Big Bill Broonzy e Lightnin' Hopkins, as vozes de Nina Simone e Bessie Smith ou a luminescente aparição de Frank Sinatra e o contagioso bem-estar de Billie Henderson, o engenhoso jazz branco de Phil Woods e Gerry Mulligan, o piano solitário de Bud Powell e Duke Ellington, o arrojo divino de Ornette Coleman e a colossal presença de Sonny Rollins, a ligeireza de Clark Terry e a desilusão final, rematada com o ruído digital da má qualidade da conversão áudio de "Darn That Dream" de Dexter Gordon, fazem desta compilação um registo acessível e iniciático, capaz de atrair pela variedade de estilos e pela qualidade das obras. 

Menção honrosa para "Lou's Blues", de Lou Donaldson, por ter um significado especial. Esta era a música que servia de genérico ao programa 'Cinco Minutos de Jazz'.

Scary Monsters - DAVID BOWIE

Lado A 

1 It's No Game (Nº1) (D. Bowie)   4:15

2 Up The Hill Backwards (D. Bowie)   3:14

3 Scary Monsters (And Super Creeps) (D. Bowie)   5:10

4 Ashes To Ashes (D. Bowie)   4:21

5 Fashion (D. Bowie)   4:45

Lado B 

1 Teenage Wildlife (D. Bowie)   6:53

2 Scream Like A Baby (D. Bowie)   3:33

3 Kingdom Come (T. Verlaine)   3:42

4 Because You're Young (D. Bowie)   4:57

5 It's No Game (Nº2) (D. Bowie)   4:20

Na ressaca do estimulante experimentalismo de Berlim, sob a fascinante supervisão de Brian Eno, David Bowie procurou exorcizar os monstros, gerados pelos produtivos excessos de uma trilogia lendária e sombria, através de uma nova metamorfose em Nova Iorque. 'Scary Monsters' parece consumar a energia desse período como uma síntese de tendência vanguardista em que a arte se submete ao jugo de elementos artísticos que se fazem representar numa estética plástica alimentada pelos miúdos new wave a quem o próprio Bowie serviu também de modelo e inspiração. Nova Iorque era um destino inevitável na demanda em manter a atualidade da sua sonoridade, recorrendo à aplicação de ideias já testadas e agora ajustadas. 

É uma espécie de conclusão de uma época, uma súmula abrangente, em que a decadência de Major Tom se afunda nas cinzas de um single sedutor e a estrutura harmónica de "Heroes" serve ainda de base à excitação adolescente que segue no encalço de Bowie. Na mesma medida, o desembaraço do efeito arrepiante dos monstros aterradores faz-se através do estilo, da moda, sob a forma de novas danças e de novas orientações estéticas, no confronto de uma cidade onde nada é um jogo e em que Tom Verlaine sintoniza a imagem real de uma nova tendência musical. 

E é isto que o décimo quarto álbum de estúdio de David Bowie manifesta em sentido abstrato. Uma obra peculiar, ou um manifesto artístico, funcional e acessível, empírico e intrigante, capaz de satisfazer as exigências de velhas audiências e de atrair a curiosidade de novos ouvintes. O registo move-se em equações pop de esquadria funk, onde a guitarra de Robert Fripp sobressai na multiplicidade de desenfreadas camadas elétricas, enquanto Bowie representa as suas personagens num desfile que deambula entre resquícios do passado e a vivência do presente. 

Para além de Robert Fripp, colaboraram também nesta edição os guitarristas Carlos Alomar, parceiro habitual de Bowie durante esta época, Chuck Hammer, guitarrista de Lou Reed que aparece por aqui com uma guitarra sintetizada, para criar um som que ele denominou como 'guitararchitecture', em "Ashes To Ashes", "Teenage Wildlife" e "Up The Hill Backwards", e também Pete Townshend, dos The Who, contribuiu com uma discreta participação em "Because You're Young", onde basta a revelação da sua presença para atribuir uma etiqueta rock a esta música.  

O devaneio nipónico de "It's No Game" funciona como um prólogo, assombrado pelo incontrolável histerismo de Bowie, e regressa no final do registo como um epílogo, em modo mais sereno e comedido. Pelo meio há que atentar no esconso negrume da teatralidade de "Scream Like A Baby" e na adaptação de "Kingdom Come", original de Tom Verlaine, editado no ano anterior. A importância da sequência "Scary Monsters", "Ashes To Ashes" e "Fashion" acentua a complexidade pop desta obra e dispensa qualquer género de comentários. Bowie concluia assim  um dos capítulos mais importantes da sua carreira.

Meant To Be - THE JOHN SCOFIELD QUARTET

1 Big Fan (J. Scofield)   6:03

2 Keep Me In Mind (J. Scofield)   6:00

3 Go Blow (J. Scofield)   8:19

4 Chariots (J. Scofield)   6:02

5 The Guinness Spot (J. Scofield)   6:35

6 Mr. Coleman To You (J. Scofield)   6:02

7 Eisenhower (J. Scofield)   5:20

8 Meant To Be (J. Scofield)   7:07

9 Some Nerve (J. Scofield)   5:10

10 Lost In Space (J. Scofield)   6:30

11 French Flics (J. Scofield)   5:28

"Meant To Be" é uma edição de 1991 em que o guitarrista norte-americano John Scofield assume a liderança do The John Scofield Quartet onde também pontuam o saxofonista Joe Lovano, o baixista Marc Johnson e o baterista Bill Stewart. Uma formação incrível que evidencia a cumplicidade de uma coesão controlada e consciente, focada num objetivo comum, com um desempenho preciso e eficaz, cumprindo naturalmente com a determinante pretensão em fazer um álbum de jazz, na verdadeira aceção da palavra, e outra coisa não seria aqui de esperar.

É uma obra de interesse profundo, que desliza por entre a agilidade de fraseados rápidos e incógnitos ou por momentos mais acessíveis e ponderados, capaz de se multiplicar na infusão de um percurso controlado onde os devaneios artísticos se expandem em jogos de diálogos periféricos através do esplêndido entendimento entre Scofield e Lovano, sempre muito bem apoiados pela admirável seção rítmica. O repertório é preenchido por peças nítidas e bem definidas, escritas, na sua totalidade, por John Scofield, e percorrem alguns estilos imediatamente reconheciveis.

A fluidez do hard bop faz-se notar logo de início com a destreza simétrica de "Big Fan" mas a delicada serenidade da abordagem bossa de "Keep Me In Mind" interrompe esta euforia inicial, que é logo retomada em "Go Blow", a peça mais arriscada do registo, com uma conduta imprevisível. "Chariots" denota uma estrutura rítmica enérgica e irrequieta, sustentada na repetição de um riff e conduz à calorosa sensibilidade blues de "The Guinness Spot". "Mr. Coleman To You" apresenta uma estrutura simpática, de caráter dançável (à la Sonny Rollins), o swing aflora em "Eisenhower" e "Meant To Be" parece conter, nas primeiras notas, uma curiosa referência a "A Sealed With A Kiss", original de Gary Geld e Peter Udell, gravado originalmente em 1960 pelos The Four Voices. A "referência" é rápida e subtil, perdendo-se logo de seguida, evoluindo depois a peça para uma estrutura curiosa, servida pelo detalhe de uma dinâmica progressiva e acentuada. O dixie serve o mote para "Some Nerve" e as duas últimas faixas contêm a particularidade de Joe Lovano tocar clarinete alto, transmitindo alguma personalidade ao exotismo latente de "Lost In Space" e à regularidade de "French Flics".

Obra notável e irrepreensível, com um equilíbrio de dinâmicas fantástico, em que a música flui na excelência de uma  formação esclarecida e bem entrosada, exposta na sua arte de execução e compreensão musical. 

Detente - THE BRECKER BROTHERS

1 You Ga (Ta Give It) (R. Brecker)   4:30

2 Not Tonight (R. Brecker/N. Jason)   3:57

3 Don't Get Funny With My Money (R. Brecker/L. Vandross)   4:33

4 Tee'd Off (M. Brecker)   3:43

5 You Left Something Behind (R. Brecker/D. Barsha)   4:00

6 Squish (R. Brecker)   5:51

7 Dream Theme (M. Brecker)   5:39

8 Baffled (R. Brecker)   5:21

9 I Don't Know Either (M. Brecker)   5:48

Editado em 1980 como o quinto álbum oficial do coletivo norte-americano The Brecker Brothers, liderado pelos irmãos Randy e Michael, trompete e saxofone-tenor respetivamente, 'Detente' emerge como um registo entusiástico e vivaz, onde prevalece a excelência de músicos experientes e tecnicamente dotados, e um repertório original composto por peças exigentes e vigorosas, bem fornecidas pela firmeza de um destacado impulso funky que se funde harmoniosamente com a proeminência de uma estrutura soul/jazz.

       

Com o trabalho de produção entregue a George Duke, sob a destreza de uma agilidade notável, o registo começa por apresentar três músicas vocalizadas em que predomina a expressiva dignidade soul da participação vocal de Carl Carlwell, em "You Ga (Ta Give It)" e "Not Tonight", e a boa disposição funky de Randy Brecker, em "Don't Get Funny With My Money". Esta sequência de músicas corresponde, certamente, a um detalhe de produção e imbui o registo com algum teor mais comercial, tornando-o mais acessível,  mas é no restante alinhamento que a verdadeira essência do coletivo acaba por se manifestar em todo o seu esplendor. Posteriormente, "You Left Something Behind" completa as participações vocais no registo, cingindo-se aqui a um pequeno coro que surge apenas no final da música, ao jeito de um refrão.

O repertório instrumental sobressai com a robustez e o admirável domínio técnico destes músicos, através de um desempenho incrível, esclarecedor e exato. Nesta sequência encontra-se; "Tee'd Off", que expõe a inquestionável qualidade de Michael Brecker como compositor e solista, a poderosa "Squish", capaz de açambarcar toda a atenção do álbum, "Dream Theme", outra composição de Michael Brecker que aqui revela uma postura mais controlada e harmoniosa, "Baffled", atesta o exotismo de uma atmosfera misteriosa e envolvente, pontuada pela riqueza rítmica da percussão de Airto Moreira, onde se inclui uma passagem pelo samba, e a atenta sobriedade jazz de "I Don't Know Either", como uma peça mais descontraída, novamente com a assinatura de Michael.

My Way - FRANK SINATRA

1 Watch What Happens (Legrand/Gimbel/Demy)   2:19

2 Didn't We (J. Webb)   2:56

3 Hallelujah, I Love Her So (R. Charles)   2:47

4 Yesterday (Lennon/McCartney)   3:56

5 All My Tomorrows (J. Van Heusen/S. Cahn)   4:38

6 My Way (Anka/Thibaut/François/Revaud)   4:36

7 A Day In The Life Of A Fool (L. Bonfa/C. Sigman)   3:04

8 For Once In My Life (O. Murden/R. Miller)   2:50

9 If You Go Away (J. Brel/R. McKuen)   3:33

10 Mrs. Robinson (P. Simon)   2:55

   Bonus Tracks

11 For Once In My Life (Rehearsal) (O. Murden/R. Miller)   4:08

12 My Way (Live) (Anka/Thibaut/François/Revaud)   3:12

Sempre que Sinatra começa a cantar, seja qual for a obra ou a época, dissipam-se imediatamente todas as dúvidas, se as há, quanto à conservação dos seus atributos vocais. 'A Voz', como Sinatra foi apelidado logo nos primeiros anos de carreira, soa sempre deslumbrante, na plenitude da sua arte e maturidade vocal, com uma entoação macia e agradavelmente melosa. O swing, tão natural e muito bem aplicado, faz o resto do trabalho, imprimindo às músicas o balanço necessário para prender a atenção no intérprete que, de certa forma, fez sempre tudo à sua maneira. 

Este registo corresponde a uma reedição em formato CD, em 2009, comemorativa dos 40 anos da edição original, em 1969. Os arranjos e a direção de orquestra estão a cargo de Don Costa que, a par de Sonny Burke, assume também o trabalho de produção. Gravado no final de uma década que passou, naturalmente, por fortes mudanças culturais, políticas e sociais - um mundo já muito diferente daquele que assistiu ao aparecimento e à evolução artística de Sinatra - era fundamental a apresentação de um repertório que encaixasse no contexto de época; relativamente recente e adaptado ao estilo de Sinatra.

A música mais 'antiga' deste alinhamento é "All My Tomorrows", que Sinatra já tinha gravado em 1958, sob a direção de Nelson Riddle. Apesar do novo arranjo, é realmente a música que apresenta o teor mais clássico, em modo balada, associado ao estilo de Sinatra. Há ainda espaço para uma interpretação da jubilante "Hallelujah I Love Her So", que Ray Charles gravou originalmente em 1955, e uma delicada adaptação de "Manhã De Carnaval", interpretada por Agostinho dos Santos no filme "Orfeu Negro" em 1958, que na versão anglo-saxónica passou a ser "A Day In The Life Of A Fool".

A inclusão de sangue novo foi feita com: a vivacidade jazz de "For Once In My Life", gravada originalmente em 1966 por Jean DuShon; a emocionante ternura de "Didn't We", escrita por um jovem Jimmy Webb e gravada originalmente por James Darren em 1967; a incontornável relevância dos The Beatles através de um bonito arranjo para "Yesterday"; e a frescura de um hit 'recente', em 1968, como "Mrs. Robinson" de Paul Simon. A escolha de repertório novo revela ainda uma interessante pesquisa pela música francesa, com a particular inclusão de três composições; a triste balada "If You Go Away" corresponde a uma adaptação de "Ne Me Quitte Pas", escrita e gravada por Jacques Brél em 1959; o desenvolto swing de "Watch What Happens" é uma adaptação de "Récit de Cassard", original de Michel Legrand que as Royalettes gravaram em 1965 já com o título adaptado; e "My Way" ... que necessita de um parágrafo à parte.

"My Way" é uma adaptação de "Comme d'habitude", escrita por Claude François e Jacques Revaux em 1967. Paul Anka gozava férias em França quando ouviu a música na radio, interpretada por François, com a letra original de Gilles Thibault, e ficou tão impressionado que adquiriu os direitos para adaptação e publicação desta música, ainda antes de sair do país. Algum tempo depois, Sinatra abordou Anka com um pedido para uma música nova. Anka não hesitou e adaptou "Comme d'habitude" com uma letra elaborada como se fosse o próprio Sinatra a escrever. Assim surgiu "My Way" que, para além de dar título ao álbum, recebe todo o protagonismo deste trabalho por se ter tornado numa das músicas mais significativas da carreira de Frank Sinatra. Não se revelou como um êxito imediato mas, à medida que as audiências reconheceram o caráter biográfico da música, e até se identificavam com o seu teor lírico, a música alcançou uma dimensão imensurável.  

A edição contém ainda a adição de duas faixas extra que levam o ouvinte um pouco mais além do registo habitual. "For Once In My Life" reaparece como extra através da gravação de um ensaio em que se percebe a boa disposição e o à vontade com que Sinatra enfrentava as sessões de gravação. A outra faixa extra corresponde a uma versão gravada ao vivo de "My Way", captada na Reunion Arena, Dallas, TX, a 24 Outubro de 1987, e evidencia como esta música se tornou num dos pontos altos das atuações de Sinatra.

Naked Child - LEE CLAYTON

 Lado A

1 Saturday Night Special (L. Clayton)   3:11

2 I Ride Alone (L. Clayton)   5:14

3 10.000 Years/Sexual Moon (L. Clayton)   6:23

4 Wind And Rain (L. Clayton)   2:40

 Lado B

1 I Love You (L. Clayton)   5:06

2 Jaded Virgin (L. Clayton)   4:14

3 A Little Cocaine (L. Clayton)   5:26

4 If I Can Do It (So Can You)   4:44

Lee Clayton foi, provavelmente, o mais solitário e inconformado dos cowboys renegados da música country. Um homem simples, sem grandes pretensões musicais que não fosse contar as suas histórias através de canções honestas e sinceras, que um dia decidiu abandonar a monotonia do seu cotidiano para percorrer livremente o seu próprio caminho. Em 1978 Lee Clayton 'cedeu' perante o interesse da Capitol e gravou uma trilogia, não premeditada, composta pelos álbuns 'Border Affair' (1978), 'Naked Child' (1979) e 'The Dream Goes On' (1981). Esta foi a fase mais produtiva da carreira de Lee Clayton. Pouco mais se passou depois de 1981, havendo apenas registo de um discreto regresso a estúdio em 1994.

'Naked Child' é uma obra digna de atenção. Está envolta por uma aura especial, uma espécie de conjunção mística, que prende imediatamente através da categórica firmeza e estilo de um country-rock coerente e sem artifícios, manifestamente elétrico no Lado A da edição em vinil. O registo está igualmente imbuído de um espírito intimista, perceptível pela manifesta carga auto-biográfica, que se revela naturalmente na simplicidade de canções racionais e persuasivas, composto por uma vertente mais acústica e afetiva no Lado B.

Duas músicas destacam-se, prontamente, como os dois pilares que sustentam o alinhamento do registo; "I Ride Alone" e "10,000 Years/Sexual Moon". São ambas compostas por uma estrutura musical semelhante, que varia entre o servil apoio da guitarra acústica e o manifesto efervescer da guitarra elétrica de ... Philip Donnely, que preenche estas músicas com uma intensidade incrível, melodiosa e tão expressiva. Como a edição não apresenta nenhuma descrição com a atribuição dos créditos aos músicos que participaram nas sessões de gravação, o nome de Philip Donnely é uma suposição sustentada na sua habitual colaboração com Lee Clayton nos restantes álbuns.

A associação dos músicos a este álbum tem sido delineada a partir da listagem de agradecimentos, onde surgem os nomes dos seguintes músicos: Byron Bach e Lawrence Lasson, violinistas, J.J. Cale, Chip Young e Philip Donnely, guitarristas, Andy McMahon, teclista, Tony Newman, baterista e Klaus Voorman, baixista. Para além de tocar guitarra e harmónica, Lee Clayton não é um cantor exímio e a "falta" desta faculdade não o impede de se exprimir na sua própria voz, tornando-se esta, ao invés, numa das suas principais características. A pontual utilização de um coro de vozes femininas ajuda a preencher as harmonias vocais revelando-se fundamental na estabilidade da bonita balada "I Love You" e uma presença agradável nas restantes músicas. 

O esclarecedor e destemido country-rock de "Saturday Night Special" arranca decidido para a notável sucessão das já referidas "I Ride Alone" e "10,000 Years/Sexual Moon", concluindo-se o Lado A com a ligeira contenção do ritmo linear de "Wind And Rain". O conteúdo lírico de lado B revela-se ainda mais explicito e intimista através de pequenas histórias conjugais onde se percebe a bonita relevância de "I Love You", a inspiração espanhola para "Jaded Virgin" e a doce afeição acústica do drama do vício exposto em "Little Cocaíne", concluindo-se o registo com o estímulo liberalismo de "If I Can Do It (So You Can)".

Absolute Begineers - ORIGINAL SOUNDTRACK

1 Absolute Beginners (D. Bowie) - David Bowie   8:00

2 Killer Blow (Adu/Booth/Stabbins) - Sade   4:35

3 Have You Ever Had It Blue? (P. Weller) - Style Council   5:36

4 Quiet Life (R. Davies) - Ray Davies   2:55

5 Va Va Boom (G. Evans) - Gil Evans   3:25

6 That's Motivation (D. Bowie) - David Bowie   4:13

7 Having It All (P. Kensit/Godson/Beauchamp) - Eighth Wonder  feat. Patsy Kensit   3:06

8 Rodrigo Bay (Booth/Stabbins) - Working Week   3:28

9 Selling Out (Taylor/Temple/Gaillard) - Slim Gaillard   3:34

10 Riot City (J. Dammers) - Jerry Dammers   8:28

11 Boogie Stop Shuffle (Rough and the Smooth) (Mingus) - Gil Evans   3:00

12 Ted Ain't Ded (Tudorpole/Temple) - Tenpole Tudor   2:35

13 Volare (Nel Blu Dipinto Di Blu) (Modungo/Migliacci) - David  Bowie   3:12

14 Napoli (Langer/Temple) - Clive Langer   4:07

15 Little Cat (You've Never Had It So Good) (N. Lowe) - Jonas    2:17

16 Better Git It In Your Soul (The Hot and the Cool) (Mingus) - Gil  Evans   1:48

17 So What? (Lyric Version) (M. Davis/S. Culture) - Smiley Culture    4:16

18 Absolute Beginners (Refrain) (D. Bowie) - Gil Evans   1:37

A reputação do realizador britânico Julien Temple foi conquistada pelo seu trabalho na área do videoclip, onde pontuam trabalhos para nomes como Sex Pistols, David Bowie, Rolling Stones, Neil Young, Tom Petty, entre outros mais. Em 1986 Julien Temple dirigiu uma adaptação cinematográfica  do livro 'Absolute Begineers', escrito por Colin MacInnes em 1959, utilizando o formato de uma obra musical, ao estilo de Hollywood, para transpor a época tumultuosa de uma Londres em completa ebulição para o grande ecrã. O conceito faz todo o sentido, tendo em conta que a música estava no centro de toda esta agitação. 

A época (final da década de 1950), ficou marcada por um período de forte imigração para as ilhas britânicas, o que gerou uma grande tensão racial e alguma instabilidade social. Esta foi também a época da cultura mod, dominada pela afirmação do requinte da moda e pela aceitação da cultura Italiana e as suas motas scooters. Uma explosiva fusão cultural/social, carregada com o exotismo de novos estilos musicais, que foi imediatamente assimilada pelas novas gerações que assim procuravam afirmar a sua individualidade e sofisticação perante a austeridade do pós-guerra.

O jazz, a música latina, o rock e algum esplendor soul, prevalecem acima dos tumultos e do romance e estabelecem a sua posição no filme. É o momento em que a 'música negra' entra definitivamente no panorama cultural britânico. O filme captura toda a ambiência da época e a banda sonora tem o papel evidente de ilustrar as imagens com a devida correspondência musical, havendo mesmo lugar à participação de alguns destes músicos no filme - Sade, Ray Davies, David Bowie, Patsy Kensit, Slim Gaillard e Tenpole Tudor têm todos o seu papel, na interpretação das suas músicas. 

As músicas são todas originais para o filme, exceção apenas para a versão que David Bowie gravou do clássico italiano "Volare" e uma adaptação hip-hop de Smiley Culture para "So What", que Miles Davis gravou precisamente na época em que se desenrola a ação do filme. Gil Evans, lendário maestro, compositor e pianista canadiano, teve um desempenho relevante com a sua contribuição para a música do filme, ao nível de produção e de arranjos, ajudando a condensar a sonoridade jazz clássica com a modernidade pop da época de produção do filme. O original "Va Va Boom" e a inclusão de dois apontamentos musicais centrados em peças de Charles Mingus - "Boogie Stop Shuffle" e Better Git It In Your Soul" - sobressaem como os momentos mais jazzísticos desta edição. A par da contribuição de Gil Evans, David Bowie é o nome que maior contributo deu para esta banda sonora, conseguindo mesmo alcançar um dos seus maiores êxitos da década de 1980 com o single homónimo.

Há mais, muito mais, para descobrir no restante alinhamento. O elegante caráter latino de "Rodrigo Bay", dos britânicos Working Week, é deliciosamente dançável. "Napoli", de Clive Langer, tem também algum aroma latino, mas mais expansivo. Jerry Dammers orquestrou "Riot City" com variações dinâmicas prontas a servir a intensidade da cena em questão. A adaptação de Smiley Culture para "So What?" revela um trabalho inteligente e de boa disposição, que elucida o ouvinte acerca dos acontecimentos que marcam o período que o filme representa.

É um registo dignificante, que recorre a músicos atuais, à época, para criar uma obra fiável e bem entrosada, capaz de representar eficazmente um período de tempo específico e datado. A escolha das participações foi bem conseguida, ao ponto da banda sonora ser mais popular do que o próprio filme.  

The Art Of Control - PETER FRAMPTON

 Lado A

1 I Read The News (P. Frampton/M. Goldenberg)   4:02

2 Sleepwalk (P. Frampton/M. Goldenberg)   4:36

3 Save Me (P. Frampton/M. Goldenberg)   3;48

4 Back To Eden (P. Frampton/M. Goldenberg)   4:45

 Lado B

1 An Eye For An Eye (P. Frampton/M. Goldenberg)   3:50

2 Don't Think About Me (P. Frampton/M. Goldenberg)   3:43

3 Heart In The Fire (P. Frampton/M. Goldenberg)   4:28

4 Here Comes Caroline (P. Frampton/M. Goldenberg)   3:41

5 Barbara's Vacation (P. Frampton/M. Goldenberg)   3:15

O estrondoso sucesso obtido com a edição de "Comes Alive", duplo álbum, gravado ao vivo, em 1975, catapultou o nome de Peter Frampton para as mais altas instâncias do rock. À data, o álbum bateu o record de vendas, permanecendo ainda hoje como um dos discos ao vivo mais vendidos de sempre, e parecia abrir, de vez, as portas para a afirmação da carreira a solo do notável guitarrista britânico. No entanto, sucedeu o oposto.

A década de 1980 foi difícil de suportar para muitos dos artistas que se tornaram ícones rock no período áureo do estilo, a década de 1970 - um período marcado por excessos que custaram depois a recuperar. Peter Frampton, em particular, foi um dos que mais sofreu com a transição. Uma má gestão de carreira, associada a alguns azares profissionais e outros pessoais, poderá ser a causa para que Frampton tenha passado praticamente ao lado de uma década que viu a música evoluir nos mais diversos campos, nomeadamente em termos de estética e de tecnologia.    

Editado em 1982, "The Art Of Control" corresponde ao oitavo álbum de estúdio de Peter Frampton e encerrou o ciclo da sua relação com a editora A&M. Rezam as histórias que Frampton detesta o álbum porque os compromissos contratuais terão forçado a produção de uma obra mais comercial. Os intuitos comerciais não foram alcançados mas o álbum conclui-se como um bom registo discográfico que corresponde exatamente aquilo que só podia ter sido feito por aquela altura. 

Preconceitos à parte, o registo soa, de forma tão natural, como um álbum de ... Peter Frampton. As músicas podem não ter o brilho e a dinâmica rock'n roll de outros tempos mas revelam a vivacidade e autenticidade de uma banda rock que procura sobreviver numa nova época, mantendo-se fiel ao formato clássico com duas guitarras elétricas, baixo e bateria. É um trabalho ritmicamente poderoso, a possante bateria de Harry Stinson é um dos pontos marcantes do álbum, enquanto Peter Frampton divide os créditos de composição com o multi-instrumentista Mark Goldenberg através de músicas eficazes e estimulantes, que Frampton depois conclui com a incontornável elegância dos seus solos de guitarra. 

O álbum pode não soar suficientemente moderno para a época mas não é de forma nenhuma uma obra dececionante. Músicas como "Sleepwalk" e "Hearts In The Fire" aproximam-se de alguma contemporaneidade mas não se excedem na tentativa em criar música rock acessível, cumprindo os padrões qualitativos do bom gosto, a que se junta ainda a cativante "Back To Eden", detentora daquela aura que habitualmente "protege" as músicas destinadas a grandes vôos. "I Read The News", "Eye For An Eye", "Don't Think About Me" e "Here Comes Caroline" mantêm-se firmes na solidez da sua estrutura, enquanto "Save Me" ressalta como a composição com a vertente mais comercial do registo e contém mesmo um dos solos de guitarra mais relevantes do registo. "Barbara's Vacation" procura encerrar o registo com alguma exuberância regggae. 

Greatest Hits - DONOVAN

 

Lado A

1 Epistle To Dippy (D. Leitch)   3:10

2 Sunshine Superman (Donovan)   4:30

3 There Is A Mountain (D. Leitch)   2:38

4 Jennifer Juniper (D. Leitch)   2:40

5 Wear Your Love Like Heaven (D. Leitch)   2:24

6 Season Of The Witch (D. Leitch)   4:46

 Lado B

1 Mellow Yellow (D. Leitch)   3:42

2 Colours (Donovan)   4:20

3 Hurdy Gurdy Man (D. Leitch)   3:18

4 Catch The Wind (Donovan)   5:04

5 Lalena (D. Leitch)   2:52

Figura proeminente do panorama musical britânico no decorrer da segunda metade da década de 1960, o escocês Donovan Leitch surge em 1965, imerso numa fase folk, com a euforia do êxito "Catch The Wind" e uma imediata conotação mediática que o apontou como "a resposta britânica a Bob Dylan". Mas cedo se percebeu que apesar de algumas semelhanças de estilo cada um dos músicos seguia o seu próprio caminho e criava o seu próprio estilo.

Esta compilação data de 1969 e revisita os primeiros anos da carreira de Donovan no decorrer daquele que se pode considerar o seu período mais criativo, entre os anos de 1965 e 1968. Época também de referência para a música britânica que engloba uma importante revolução cultural, que definiu, praticamente, o mundo social e artístico das décadas seguintes. Donovan estava no centro desse furacão em ebulição e é-lhe mesmo atribuído o despoletar da revolução psicadélica com a música "Sunshine Superman", em 1966. O notável álbum 'Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band', dos The Beatles, apenas seria editado no ano seguinte.

E a saudável relação de Donovan com os The Beatles desenvolveu-se, de forma natural, no decorrer desses anos. Donovan integrou a comitiva que acompanhou os The Beatles na sua viagem a Rishikesh, Índia, para estudar meditação transcendental. Conta a história que o famoso 'White Album' nasceu nestas paragens sob a tutela de Donovan, que ensinou a Paul, John e George, novas técnicas de tocar guitarra e que foram notoriamente aplicadas nesse duplo álbum. (Uns bons anos depois, George Harrison referiu mesmo, numa entrevista, que "Donovan está em todo o 'White Album' ').

Donovan evoluiu de forma empolgante e criativa desde o folk inicial de "Catch The Wind" e "Colours", em 1965, até à completa afirmação da sua fase psicadélica, que tem início logo em 1966 e se prolongou até ao final dessa década. Através de uma criteriosa seleção de êxitos, o registo expõe o relevante manancial que compõe a combinação de elementos folk, rock, jazz, étnicos, espirituais e psicadélicos que povoa as composições de Donovan e que acaba por definir vasta parte da sonoridade que também carateriza a música britânica da década de 1960. 

Mesmo sem conhecer um envolvimento muito extremista dentro do género, Donovan criava canções ricas em harmonia que eram depois adocicadas por inebriantes texturas exóticas como "Season Of The Witch" ou "Wear Your Love Like Heaven", encerrando depois o ciclo com o aperfeiçoamento de "Mellow Yellow" e a intrépida abordagem de "Hurdy Gurdy Man". A compilação inclui ainda três músicas que apenas foram editadas em formato de single; "Epistle To Dippy" de 1967, apenas editado fora do Reino Unido, a espiritual "There Is A Mountain", também em 1967, e a bonita balada "Lalena" em 1968.

Curiosidade: é sabido que os jovens músicos de estúdio Jimmy Page e John Paulo Jones, ainda antes dos Led Zeppelin, estiveram envolvidos nas sessões de gravação de "Sunshine Superman" e "Hurdy Gurdy Man", e que Paul McCartney terá dado uma ajuda nas sessões de "Mellow Yellow", em que John Paul Jones esteve novamente envolvido. Há, portanto, imensa história por aqui.

In My Solitude - DUKE ELLINGTON

 Lado A

1 The Sheik Of Araby (Snyder/Wheeler/Smith)   2:58

2 Dancing In The Dark (Dietz/Schwarz)   4:25

3 Solitude (DeLange/Ellington/Mills)   3:09

4 Poor Butterfly (Hubbel/Golden)   3:43

5 Don't Get Around Much Anymore (Russell/Ellington)   3:04

 Lado B

1 Mood Indigo (Ellington/Mills/Bigard)   3:06

2 I Got It Bad And That Ain't Good (Ellington/Webster)   3:47

3 Blue Harlem (Miley)   2:52

4 Autumn Leaves (Prevett/Kosma)   5:04

5 In A Sentimental Mood (Ellington)   3:16  

Compilação editada em vinil, em 1969, focada na importância do nome de Duke Ellington como influente músico de jazz, respeitado e admirado pelo extraordinário trabalho como compositor, orquestrador e arranjador. A edição conclui-se como um registo de teor mais comercial, naquilo que se possa considerar comercial dentro da genial obra de Duke Ellington, preparada para vender no mercado mais acessível, ao ponto de nem incluir créditos nem referências à origem das gravações. Interessante verificar que este álbum apenas foi editado em países onde predomina a língua Inglesa (USA, UK, Austrália e Canadá), com a única exceção da existência de uma edição Alemã.

O registo é composto por dez peças executadas pelas orquestras de Duke Ellington, em diversas fases. Como não há referências às gravações originais, não se consegue precisar a que época pertence cada uma delas. Apenas é possível distinguir a qualidade das gravações e estimar assim a idade da gravação. Com exceção da referência a Ozzie Bailey, como vocalista em "Autumn Leaves", e ao saxofonista Johnny Hodges, apresentado pelo Duke no início de "I God It Bad And That Ain't Good", também não há créditos relativamente aos músicos, pelo que não se sabe muito bem, nomeadamente os solistas, quem participa nas músicas.

Pormenores técnicos à parte, resta a notabilidade da música de Duke Ellington e da sua orquestra, onde predomina a classe, o estilo e a organização, de um extraordinário coletivo de músicos cuja orientação era proporcionar entretenimento e boa disposição, com caráter e disciplina, convidando ao swing e à dança com o seu jazz inteligente, efervescente e contagioso, onde cada solista sobressaía na relevância do seu momento. 

Pela qualidade das gravações, "The Sheik Of Araby", "Solitude", "Mood Indigo", "Blue Harlem" e "In A Sentimental Mood" correspondem às gravações mais antigas que integram esta compilação e exprimem nitidamente a emoção e vivacidade de outra(s) era(s). Do restante repertório, ressalta o charme e o encanto da irresistível interpretação de "Dancing In The Dark", o encanto artístico de "Poor Butterfly" e a profunda comoção que exala da peculiar adaptação de "Autumn Leaves".

Video - GABRIELA SCHAFF

 Lado A

1 Minha Cara Amiga (António A. Pinho/N. Rodrigues)   3:35

2 Saco Cheio (F. Guerra)   3:15

3 Noite De Abat-Jour (N. Rodrigues)   4:04

4 Homem Muito Braza (António A. Pinho/N. Rodrigues)   3:10

5 Fotografia (António A. Pinho/N. Rodrigues)   3:30

6 Down In Brazil (M. Franks)   2:00

7 Caminhos Cruzados (António C. Jobim/N. Mendonça)   3:47

 Lado B

1 Bibelô (António A. Pinho/N. Rodrigues)   3:50

2 This Masquerade (L. Russell)   3:30

3 Cigarro (F. Guerra)   2:51

4 Uma Vez Mais (My Sweetest Eyes) (António A. Pinho/B. Spoerri)   2:47

5 O Amor É Mais (António A. Pinho/N. Rodrigues)   4:21

6 Olá, Como Estás? (António A. Pinho/N. Rodrigues)   5:19

Gabriela Schaaf nasceu em Genebra, Suíça, em 1960, e mudou-se para a cidade do Porto, com os pais, em 1971. Através do maestro José Calvário, chegou à Banda do Casaco em 1977 e participou nas gravações do álbum "Hoje Há Conquilhas, Amanhã Não Sabemos", deixando a marca da sua voz nas músicas "País: Portugal" e "Geringonça". Daqui para a frente, mantém uma breve ligação artística com António Avelar Pinho e Nuno Rodrigues, os dois principais autores da Banda do Casaco, e em 1979 participou no Festival da Canção com uma música da autoria desta dupla de compositores, alcançando o segundo lugar. 

Nesse mesmo ano de 1979 gravou, na Suíça, o seu primeiro registo a solo, denominado 'Video'. António Avelar Pinho e Nuno Rodrigues continuam a ser os autores da maior parte das músicas originais, Fernando Guerra assina também duas músicas, e há ainda espaço para três versões - "Down In Brazil", de Michael Franks, "Caminhos Cruzados", de António Carlos Jobim e Newton Mendonça, e "This Masquerade", de Leon Russell. É interessante perceber como estas três adaptações parecem definir a sonoridade geral do álbum, como uma referência a seguir.

Com exceção da música "Fotografia", gravada com uma formação totalmente composta por músicos Portugueses - Shegundo Galarza ao piano, Zé Nabo no baixo, Ramón Galarza na bateria e Rui Cardoso no saxofone - o álbum foi todo gravado com músicos de estúdio, e de jazz, Suíços e Italianos. 

É uma obra de muito bom gosto mas fica a ideia de que uma produção mais cuidada podia ter  resultado num trabalho mais primoroso. Ainda assim, é um registo consciente e bem conseguido, composto por canções ligeiras de cariz jazz e a maturidade de uma subtileza pop que se deixa envolver na doce fragrância da música brasileira. "Minha Cara Amiga" e os singles "Homem Muito Braza" e "O Amor É Mais", avivam o registo com uma côr entusiástica, sob a agilidade da sua matriz pop, que encontra ainda alguma conexão com a indefinida abordagem tango de "Bibelô" e a imprecisão latina de "Olá, Como Estás?". O acentuado perfume da moderação jazz/bossa nova de "Saco Cheio", "Noite De Abat-Jour", "Cigarro" e "Uma Vez Mais", conclui o registo com nota alta.

The Beatles For Trio - ISRAEL COSTA PEREIRA, RICARDO MARTINS, TIAGO MORIN

1 Get Back (Lennon/McCartney)   3:14

2 Blackbird (Lennon/McCartney)   3:39

3 Here, There And Everywhere (Lennon/McCartney)   3:45

4 Penny Lane (Lennon/McCartney)   4:10

5 In My Life (Lennon/McCartney)   4:07

6 Yesterday (Lennon/McCartney)   4:02

7 Julia (Lennon/McCartney)   5:12

8 Eleanor Rigby (Lennon/McCartney)   3:56

9 When I'm 64 (Lennon/McCartney)   3:16

Israel Costa Pereira divide a sua vida profissional entre a atividade de docente, no ensino de guitarra, e como músico de palco dos conterrâneos The Gift. No tempo que lhe sobra, dedica-se ao estudo da guitarra clássica, aprofundando a sua paixão pelo instrumento, enquanto procura também desenvolver algum trabalho próprio. Depois de um primeiro registo original, edição de autor em 2018, Israel Costa Pereira revela agora a sua profunda admiração pela obra dos The Beatles através de um registo engenhoso, para o qual contou com a colaboração de mais dois experientes guitarristas; Ricardo Martins e Tiago Morin. 

A obra dos The Beatles já foi revista pelas mais variadas e inúmeras formas, ou estilos, e ainda assim continua a servir como uma fonte de inspiração inesgotável. Apesar da formação clássica de Israel Costa Pereira, os The Beatles foram também uma parte importante do desenvolvimento do seu percurso musical, que iniciou, relativamente cedo, pelos meandros do pop/rock. Não é por isso de estranhar o interesse flagrante por uma obra que influenciou o desenvolvimento cultural de várias gerações, um pouco por todo o mundo, e que ainda hoje mantém a sua importância, tal como evidencia este registo.

Os arranjos foram escritos por Israel Costa Pereira e sustentam uma abordagem consistente, de forma livre e dedicada, exigente e purista, com a capacidade total de proporcionar nova vitalidade a estas músicas. São adaptações pouco óbvias, enriquecidas com detalhes muito bem pormenorizados, que os ouvidos mais experientes irão reparar com alguma facilidade - mas também possíveis de reconhecer por ouvintes menos conhecedores - o que torna este trabalho num registo distinto, pleno de riqueza harmónica e de algumas intervenções inventivas ou algo inesperadas. E se a admiração de Israel Costa Pereira pela obra dos The Beatles foi a principal fonte de inspiração; ao nível dos arranjos, e formato, há referências subliminares ao lendário concerto 'Friday Night in San Francisco' que reuniu o fantástico trio de guitarristas Al Di Meola, John McLaughlin e Paco de Lucia em 1981. 

Considerando a proliferação de versões que existem para o repertório dos The Beatles, a aposta de Israel Costa Pereira poderia ser arriscada em termos de originalidade mas o facto é que se trata de uma abordagem inteligente, ponderada, muito eficaz e original, primorosamente aperfeiçoada pela elegância das três guitarras clássicas. Através de uma breve resenha pode acrescentar-se que: há caráter na abordagem de "Blackbird" e regozijo na simpatia contagiante de "Here There And Everywhere" e "My Life". A diversidade dinâmica de "Get Back" e "Penny Lane" é entusiástica mas o ponto forte encontra-se na incrível "Eleanor Rigby". A beleza da 'simplicidade estrutural' de "Julia" ganha aqui uma relevância enorme, enquanto "Yesterday" aparece mais singela, e o registo encerra com a alegre e divertida interpretação de uma peça tão carinhosa como "When I'm 64".

Para uma experiência audiófila mais atenta, a cuidada distribuição panorâmica do Trio na mistura final permite acompanhar, com muita precisão, a prestação individual de cada um dos elementos, proporcionando uma definição clara e bem percetível das variadas dinâmicas. Tiago Morin está situado à esquerda, Ricardo Martins à direita e Israel Costa Pereira ao centro.

John Peel - Right Time, Wrong Speed 1977-1987 - VÁRIOS - CD02

01 Atmosphere (Curtis/Hook/Sumner/Morris) - Joy Division   4:07

02 Musette And Drums (Fraser/Guthrie) - Cocteau Twins   4:36

03 There Is A Light That Never Goes Out (Morrissey/Marr) - The Smiths   4:02

04 Over The Wall (McCulloch/Pattinson/DeFreitas/Sergeant) - Echo And The Bunnymen   5:57

05 Party Fears Two (Mackenzie/Rankine) - Associates   5:10

06 The Message (Fletcher/Glover/Chase/Robinson) - Grandmaster Flash & The Furious Five   3:10

07 Hope (I Wish You'd Believe Me) (Wylie) - Pete Wylie And Wah!   4:55

08 Birthday (Eldon/Benediktsson/Gudmundsdottir/Olafsson/Baldursson/Ornolfssdottir) - The Sugarcubes   3:56

09 Good Technology (Kidd/Lewis/Ross/Barlow/Higgins/Rowley) - Red Guitars   4:52

10 All Wi Doin' Is Defendin (Johnson) - Poet And The Roots   3:00

11 Keep On Keeping On (Bottomley/King/Moore) - The Redskins   3:50

12 Release The Bats (Cave/Harvey) - The Birthday Party   2:28

13 The Revolutionary Spirit (Kelly/Simpson/Quinn) - The Wild Swans   4:23

14 Damaged Goods (J. King/D. Allen/A. Gill/H. Burnham) - Gang Of Four   3:25

15 Everyone Thinks He Looks Daft (Gedge) - The Wedding Present   4:05

16 Just Fascination (Kirk/Mallinder) - Cabaret Voltaire   4:06

17 You've Got My Number (Why Don't You Use It) (O'Neil) - The Undertones   2:35

18 Eat Y'Self Fitter (Hanley/Smith) - The Fall   6:33

19 The Trumpton Riots (Blackwell/Blackwell/Lloyd) - Half Man Half Biscuit   3:18

A celebridade de John Peel começou a ganhar expressão por volta de 1968 com as emissões do programa Night Ride na BBC, Radio 1. Em 1976, ano da explosão punk, o estatuto adquirido por John Peel permitia-lhe a autonomia com que geria as emissões do 'John Peel Show', e as bandas que constavam da playlist, por mais estranhas que parecessem, ganhavam automaticamente o epíteto de 'Peel Band', tornando-se logo relevantes. Por sua vez, as famosas Peel Sessions, que constam de aproximadamente 4.000 gravações ao vivo, em que participaram cerca de 2.000 bandas, e que John Peel gravava e produzia nos estúdios Maida Vale da BBC para usar nos seus programas, ganharam também a importância de registo histórico que testemunha a real passagem dessas bandas pelo 'John Peel Show'. 

O mote 'right time, wrong speed', que dá título a esta dupla edição, refere-se à carinhosa perícia de John Peel em passar, distraídamente, os discos na rotação errada, fosse na rádio ou em sessões como DJ. Para além de um equívoco ocasional, em algumas das vezes o erro devia-se ao facto de John passar maquetes apresentadas com selo branco, sem qualquer informação no disco. Mais atento ao conteúdo do variado material que lhe ia chegando do que aos pormenores técnicos, John preocupava-se em dar o devido espaço às bandas, promovendo as suas obras com gosto e verdadeira dedicação. Do outro lado, estava uma audiência especial que, como ele, ansiava por ouvir música nova, que mais nenhuma rádio passava.

O fascinante desfile de bandas que o 'John Peel Show' ajudou a divulgar continua a deslumbrar ao longo do segundo CD desta dupla edição, com mais uma impressionante sequência de nomes incontornáveis no panorama musical. Joy Division, Cocteau Twins, The Smiths e Echo and The Bunnymen, ressaltam logo à vista como os mais sonantes; Cabaret Voltaire, Associates, The Birthday Party e The Fall, os mais irreverentes; Red Guitars, Gang Of Four e The Undertones, são bandas incríveis; The Wedding Present, The Wild Swans e The Sugarcubes, representam a frescura dos últimos anos do programa. Pelo meio há espaço para os primórdios do hip-hop, com Grandmaster Flash, a habitual presença do reggae, com Poet and The Roots, a simpatia pop de Pete Wylie, a ritmada abordagem soul/rock dos Redskins e o punk/rock dos Half Man Half Biscuit.

Incluídas nesta compilação estão duas bandas que marcavam as preferências de John Peel: 

-The Fall; eram provavelmente a sua banda preferida, ao ponto de John Peel guardar a vasta discografia dos The Fall completamente à parte da restante coleção. A música "Eat Y'Self Fitter", aqui incluída, era uma das suas primeiras escolhas entre os discos a levar para uma ilha deserta.

-The Undertones; são outra das bandas a quem John Peel devotava grande atenção, considerando o EP "Teenage Kicks" como o seu álbum preferido. A música "You've Got My Number (Why Don't You Use It)", aqui incluída, foi editada como single, em 1979, na sequência da edição do primeiro álbum da banda.

John Peel - Right Time, Wrong Speed 1977-1987 - VÁRIOS - CD01

01 What Do I Get? (Shelley) - Buzzcocks   2:52

02 Alternative Ulster (Burns/Ogilvie) - Stiff Little Fingers   2:41

03 A Forest (Smith/Tolhurst/Gallup/Hartley) - The Cure   5:53

04 Pssyche (Ferguson/Glover/Coleman/Walker) - Killing Joke   5:04

05 Typical Girls (Albertine/Politt/Forster/Romero) - The Slits   3:53

06 Another Girl, Another Planet (Albert/Perrett) - The Only Ones   2:59

07 Just Like Honey (Reid/Reid) - The Jesus And Mary Chain   2:59

08 O Superman (Anderson) - Laurie Anderson   8:20

09 Roadrunner (Richman) - Jonathan Richman And The Modern Lovers   4:41

10 Man Kind (Live) (Tyson) - Misty In Roots   4:36

11 I Can't Stand My Baby (Callis) - The Rezillos   2:21

12 In A Rut (Fox/Jennings/Ruffy/Owens) - The Ruts   3:39

13 Pasi Pano Pane Zviedzo (Munhumumwe) - Four Brothers   5:40

14 New Rose (James) - The Damned   2:41

15 Down In The Tube Station At Midnight (Weller) - The Jam   4:42

16 The Sweetest Girl (Green) - Scritti Politti   6:12

17 Ku Klux Klan (Hinds) - Steel Pulse   3:30

18 Where Were You? (Greenhalgh/Langford/Jenner/Wixey/Lycett/White/Corrigon/Allen) - The Mekons   2:40

19 Life In A Scotch Sittingroom (Volume 2 Episode 6) (Cutler) - Ivor Cutler   3:10    

O radialista britânico John Ravenscroft prevalece na memória de quantos acompanharam religiosamente as suas emissões regulares na BBC, Radio 1, e das inúmeras bandas que divulgou nos seus programas. Tendo iniciado a sua atividade radiofónica em 1961, num período de tempo em que se encontrava a trabalhar em Dallas, EUA, a dedicação à rádio e à divulgação musical, a que se juntam ainda atividades como DJ e apresentação ou promoção de eventos, foi o seu mote de vida até ao seu falecimento em Outubro de 2004. A fase mais reconhecida da sua incessante ligação à rádio situa-se no período de tempo 1977-1987, e diz respeito ao programa 'John Peel', o nome pelo qual será eternamente recordado.

O início do 'John Peel Show' coincide precisamente com a explosão do movimento punk. Motivado pela necessidade de criar algo que tornasse o programa mais interessante, Peel encontrou no punk o combustível perfeito para dar um novo impulso ao seu programa, ao contrário de muitas outras estações que se mantiveram fiéis à vertente mais conservadora das suas audiências e ignoraram a carga de energia insubordinada que emanava das ruas de Inglaterra. É a partir daqui que o nome de John Peel ganha relevância, focando-se na divulgação das inúmeras maquetes que lhe chegavam às mãos e que não punha de parte sem ouvir. O programa acompanhou o período mais importante da evolução da chamada música independente na década de 1980, entre 1977 e 1987.  

Esta edição em formato duplo CD, datada de 2006, pretende celebrar a enorme devoção de John Peel pela música e recordar a importância do seu contributo para a divulgação de bandas de que nunca mais se ouviu falar, assim como de outras que alcançaram patamares mais elevados da hierarquia musical. O alinhamento selecionado, para compor o registo, baseou-se no período de tempo atrás referido e é revelador do gosto eclético de John Peel por diversos estilos de música. De entre momentos chave do punk-rock, como os Buzzcocks, The Damned ou Jonathan Richman and The Modern Lovers, encontra-se aqui o reggae dos Misty in Roots e Steel Pulse, a música Africana dos The Four Brothers, de Zimbabwe, o vanguardismo de Laurie Anderson, a modernidade pop dos Scritti Politti e uma figura hilariante como o poeta Escocês Ivor Cutler. E outros mais ...

Primavera - THE GIFT

 Lado A

1 Black (N. Gonçalves)   4:10   

2 La Terraza (N. Gonçalves/S. Tavares)   4:44

3 Open Window (N. Gonçalves/S. Tavares)   5:34

4 Variação Sobre Primavera I (N. Gonçalves)   1:11

5 Sehnsucht (N. Gonçalves)   4:54

 Lado B

1 Variação Sobre Primavera II (N. Gonçalves)   1:35

2 Blindness (N. Gonçalves/S. Tavares)   4:11

3 Meaning Of Life (N. Gonçalves/S. Tavares)   3:53

4 Variação Sobre Primavera III (N. Gonçalves)   0:54

5 Les Tulipes De Mon Jardin (The Perfect You) (N. Gonçalves)   4:09

6 Primavera (N. Gonçalves)   4:48

7 Long Time (N. Gonçalves)   3:21

   ...

   (... eu vou voltar aqui por ti ... )   1:57

Em 2012 os The Gift voltam a surpreender, com uma obra ímpar e bastante sóbria. Em certa medida, 'Primavera' é o black álbum dos The Gift, aquele registo tão especial que se destaca do restante trabalho de uma banda. Uma autêntica surpresa, semelhante a uma obra concetual, que progride pacientemente na meditação de uma Primavera que, um dia, há-de chegar. As peças estão envoltas em momentos solenes, com a beleza de uma tristeza meditativa, e a "Primavera" anuncia-se vagarosamente em engenhosas variações até à sua aparição final, na plenitude de uma composição mais orgânica relativamente à versão apresentada anteriormente em 'Explode'. 

É um álbum sereno, muito sensível e íntimo, reminiscente de algum romantismo, como um Chopin inconsequente, sem os respetivos detalhes técnicos, em que as peças são dominadas num plano interior que se expõe, na maior parte, pelo aconchego de uma evidente cumplicidade entre a determinação do piano de Nuno Gonçalves e a grave profundidade da voz de Sónia Tavares, contando ainda com a envolvência casual de alguns elementos eletrónicos, vozes em segundo plano ou esporádicas intervenções menos óbvias.

É difícil não lembrar dos The Cure logo à primeira música, "Black". Uma introdução instrumental bem ao jeito da banda Britânica, que os The Gift têm como uma das suas referências. De seguida, o registo entra na afável beleza contemplativa de "La Terraza" e transporta-nos, depois, para o encanto artístico de "Open Window", com direito à inclusão de uma inesperada passagem por um curto trecho cantando em Português. O peso de "Sehnsucht", cantada em Português, acentua o tom monocromático do registo.

A rendição espiritual de "Blindness" destaca-se pela ousadia e singularidade da sua abordagem, relativamente ao andamento das restantes composições do álbum, "Meaning Of Life" recupera a estética que carateriza a natureza do registo e "Les Tulipes De Mon Jardin" agracia a alma com harmonia e uma interpretação emocionante de Sónia Tavares. O registo conclui com "Long Time", em jeito de adágio, onde o ouvinte é ainda surpreendido, após uma pequena pausa, por um curioso apontamento que anuncia um breve regresso.

Explode - THE GIFT - LP02

 Lado A

1 Primavera (N. Gonçalves)   3:25

2 Aquatica (N. Gonçalves/S. Tavares)   4:01

3 My Sun (N. Gonçalves)   4:28

4 Suit Full Of Colours (N. Gonçalves)   4:50

 Lado B

1 Race Is Long (N. Gonçalves)   4:57

2 Always Better If You Wait For The Sunrise (N. Gonçalves/S. Tavares)   8:23

Apesar das origens dos The Gift, sediados em Alcobaça, Portugal, a banda optou, desde o início, pela língua Inglesa como a melhor forma de expressão para a sua música. Procurando, muito provavelmente, manter algum contato com o idioma nativo, não deixa de ser curioso que a banda gosta de brincar com os títulos dos seus álbuns, que tanto podem ser lidos em Inglês como em Português. Obviamente que 'Explode' não foge à regra. 

E é precisamente em bom Português que o lado A do segundo disco inicia, através do 'efeito' primário da leveza e graciosidade 'caixinha de música' de "Primavera", que se imiscui numa simplicidade plástica e eficaz que viria a resultar, mais tarde, em novo êxito, novamente cantado em ... Português. 

Mas as brincadeiras linguísticas não ficam por aqui, e à semelhança do que já haviam feito em 'AM/FM', com a música "Bonita", os The Gift voltam a repetir a gracinha de atribuir um título português a uma música que não é cantada na sua língua nativa, agora concluída como "Aquatica" com uma sonoridade inebriante e orgânica que resulta numa música de teor acústico, algo que a banda ainda não tinha explorado com recurso à guitarra.

A alegria patente em 'Explode' evidencia claramente o entusiasmo e a excitação com que os The Gift encararam o regresso aos discos e a exultante "My Sun" representa aqui um papel crucial sob o signo de uma esplendorosa manifestação de regozijo e felicidade que se prolonga na luminosidade de uma jornada radiante.

É notório que os The Gift continuam a crescer de álbum para álbum, e a reflexão faz parte da maturidade. O lado A encerra com a acolhedora serenidade inicial de "Suit Full Of Colours" que evolui na grandiosa sobriedade de uma música que também cresce, ritmicamente, até concluir na intensidade provocada pela acentuação do trinar da guitarra elétrica.

Os últimos momentos do registo, lado B, espraiam-se na euforia de "Race Is Long", música de caráter épico, polida com uma tonalidade vibrante e o impulso de uma forte introdução com riff à la Springsteen, e no claustrofóbico dramatismo de "Always Better If You Wait For The Sunrise", uma das composições e interpretações mais incríveis dos The Gift, que possibilita ainda uma das raras oportunidades para ouvir Sónia Tavares a puxar tons mais elevados da sua capacidade vocal. 

'Explode' resulta numa obra completa, esclarecedora e atenta, com uma abordagem pop inteligente e bem dirigida. A magia do registo flui na variedade de harmonias que povoam a estrutura das composições através de uma miríade de ideias fortificante e criativa. Um registo que merece mais atenção.